Comentarios breves acerca de un drama de contenido universal y calidad teatral casi inigualable que representa a un autor insigne de la literatura española.
La obra de don Pedro Calderón de la Barca es reflejo de una actitud reflexiva y meditadora, producto de una vida dedicada al estudio; aunque también hay que apuntar que vistió el hábito de Santiago y que participó en la guerra en Cataluña, contrastando con la acción sus intereses intelectuales.
Calderón representa en la evolución del teatro de los Siglos de Oro, la culminación de los elementos y técnicas que componían la fórmula creada por Lope de Vega. Sin embargo, en Calderón se pueden señalar dos corrientes: una, en la que refina la dramaturgia de Lope; y otra, en la que da énfasis a la elaboración de las ideas y a la complicación escenográfica. Estas dos vertientes, como observa Ángel Valbuena Prat, se producen paralelamente, pero la forma más elaborada se manifiesta mucho más en sus últimas obras.
La distancia entre las modestas representaciones de Lope en los corrales de Madrid (teatros improvisados en un patio interior de una manzana de casas) y la ornamentada arquitectura de los escenarios cortesanos hicieron del teatro español del siglo XVII dos mundos apartes. Si en el teatro del primero, se reunía en una sola audiencia un público heterogéneo, en el de Calderón los espectadores forman un grupo único: la nobleza. Estas obras ya no tienen la tónica popular lopesca, pero no por esto son menos españolas, sólo que los personajes de Calderón se manifiestan en un contexto más universal:
Las obras de Calderón llegan a ser un verdadero espectáculo, en que la música, la danza, las apariciones maravillosas, las nubes flotando y las bombas de perfume, entre otros trucos y artificios, estimulaban si espectador a utilizar, prácticamente, todos los sentidos para disfrutar de la representación. La propia temática de Calderón ya muestra un cambio en el gusto. Ahora se verán en escena tanto piezas basadas en la historia y las leyendas españolas, en el honor y los celos, en los motivos de capa y espada, como en las cuestiones teológicas y filosóficas; y hasta en la fantasía y en la mitología.
De la producción calderoniana sólo se conservan ciento veinte comedias, ochenta autos sacramentales y algunas piezas cortas —jácaras, entremeses, loas, y otras. Calderón refleja las preocupaciones filosóficas, teológicas y morales de su período, el que estéticamente se conoce como el barroco. A éste corresponde una expresión complicada, como complicados son también los planteamientos sobre la libertad, la realidad como engañoso espejismo, la fugacidad de la vida, el concepto de la vida como teatro o como sueño, y las exigencias éticas del libre albedrío, entre otros.
Calderón escribió un teatro cuidadoso y pulido, en el que las metáforas, las hipérboles, las antítesis, los conceptos y los cultismos dan forma a un pensamiento plagado de difíciles abstracciones. Es criterio aceptado el de la alta calidad de la obra calderoniana, como también lo es el considerar “La vida es sueño” como su pieza cumbre. En este drama se pueden encontrar numerosos ejemplos de los recursos anteriormente mencionados, por lo que su estudio como prototipo de la época resulta una obligación ineludible.
En esta obra la acción toma lugar en la corte del rey Basilio de Polonia. El rey, creyente en la astrología, ha visto en el horóscopo de su hijo un pronóstico adverso. Según las predicciones, el príncipe Segismundo se tomaría contra él. Basilio decide encerrar a su hijo en un castillo y le asigna por ayo a Clotardo, noble de la corte. El príncipe crece sin conocer su origen, y con la sola compañía de su preceptor. Un día, el rey decide poner a prueba a Segismundo y lo narcotiza para llevarlo a palacio. Una vez allí, el príncipe actúa brutalmente y el rey lo adormece para trasladarlo de nuevo a su prisión, haciéndosele creer que lo vivido ha sido un sueño. El pueblo enterado de la existencia del príncipe se rebela para lograr su liberación. El drama concluye cuando el príncipe, libre y en posesión del trono, restituye la armonía en la corte de Polonia.
En “La vida es sueño”, los recursos del estilo barroco, como ya se había mencionado, encuentran una de sus más altas expresiones. La imagen se retuerce con elegancia para crear efectos sorprendentes, también las hipérboles abundan en el texto, corno en el ya clásico ejemplo de los primeros versos de la obra, pronunciados por Rosaura, cuando se dirige a su caballo:
Hipógrifo violento
que corriste parejas con el viento
¿dónde, rayo sin llama,
pájaro sin matiz, pez sin escama,
y bruto sin instinto! natural,
al confuso laberinto
destas desnudas peñas
te desbocas, arrastras y despeñas?
A todo este marco estilístico, corresponde un fondo de complejos planteamientos: la naturaleza del hombre y la educación como moldeadora de ésta; la fugacidad de la vida y el sueño como símbolo de lo transitorio de la existencia; las apariencias como espejismo de la realidad y el desengaño como consecuencia de la confianza; así como el libre albedrío y la responsabilidad del hombre en la ejecución de sus actos.
La vida es sueño, por su profundidad ideológica dentro de una sólida arquitectura y un impecable estilo, representa una de las más altas expresiones del teatro español. Para Francisco Ruiz Ramón, “en ‘La vida es sueño’, Calderón, aprovechando la fábula del drama de Segismundo, escribe el más hermoso poema dramático de la historia teológica del hombre: su creación, su instauración en el estado de la gracia, su caída y su redención”. Aunque esta apreciación puada resultar válida para juzgar la obra dentro del marco del teatro del siglo XVII en España, de lo que no hay duda en estos instantes, es de que ésta posee un valor que trasciende más allá de esas fronteras, pues Calderón tiene un puesto universalmente reconocido como uno de los dramaturgos máximos del teatro barroco europeo.
AG.
Fuente: Icarito. Editorial Andina. Santiago. 1987.
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